Sugar ET Bones: GOAHEAD.: "Empiezo a creer de manera involuntaria en el destino.Todo forma parte de el; me doy cuenta que nada pasa por casualidad. TODO . . . ABSOLUTA..."
Contadas ocasiones cuento de mi vida privada en el blog. Hoy sólo escribire unas lineas. El pasado y el presente me han dado una madriza estos últimos días. Es tiempo de valorar y levantar la vista a otro lado. Me asomo al vacio y veo lo que existe antes de brincar. Espero sin mí tipica ansiedad que todo salga bien. No haré la presión que antes hacía. No dejare de orar, ni de correr ni de platicar con ella. Estaré aqui sanandome y esperando que tú te sanes. Gracias por tomarnos el tiempo. Dejemos de escuchar la estática que todavía ronda por ahí. Tengo fe y esperanza de que todo tomara un rumbo correcto. Espero que el tiempo sea un gran aliado a la (nuestra) situación.
Nos vemos en el limbo para poder regresar...
Sé que vas a ver esto...por favor escucha la letra.
Y ahi va otra rola, sólo que la letra na´mas.
MIRACLE DRUG
I want to trip inside your head Spend the day there... To hear the things you haven't said And see what you might see
I want to hear you when you call Do you feel anything at all? I want to see your thoughts take shape And walk right out
Freedom has a scent Like the top of a new born baby's head
The songs are in your eyes I see them when you smile I've seen enough I'm not giving up On a miracle drug
Of science and the human heart There is no limit There is no failure here sweetheart Just when you quit...
I am you and you are mine Love makes nonsense of space And time...will disappear Love and logic keep us clear Reason is on our side, love...
The songs are in your eyes I see them when you smile I've had enough of romantic love I'd give it up, yeah, I'd give it up For a miracle, a miracle drug, a miracle drug
God I need your help tonight
Beneath the noise Below the din I hear a voice It's whispering In science and in medicine "I was a stranger You took me in"
The songs are in your eyes I see them when you smile I've had enough of romantic love I'd give it up, yeah, I'd give it up For a miracle, miracle drug
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Ustedes me conocen. Ya sólo tengo un vicio, el cual es mi cinemanía. Ahora que soy estudi-hambre voy al cine 3 veces por semana y sábados y domingos reviso mi DVDteca. Todo bien hasta ahí. Tertulianos como @zuka666 @caballerosolar @degemeay @Fabcj y demás me han pedido opiniones de películas, actores y estrenos. Es más, estudie Comunicación y me especialice en Medios(Cine, TV y Radio). Mi tesis de licenciatura fue sobre lenguaje audiovisual. Y me sigo preparando (cursos, talleres, seminarios). Se supone que debería de tener cierto olfato. Le atino, pero varias veces me dejo llevar por el placer de sentarme en una sala de cine, rodeado de personas y tragando palomitas. En el arrebato de mi pasión cinéfila encuentro maravillas (recientes como Tetro de Francis Ford Coppola o Bright Star de Jane Campion) o grandes bodrios (el más reciente Skyline o la malísima Somos lo que hay). Precisamente de la última variante les hablare hoy.
Hace un par de meses, con cierto tertuliano que todos ustedes saben quién es, fui a la Cineteca a ver “El listón blanco” de Michael Haneke. Director reconocido, película galardonada y precedida de buenas críticas. Primer error. Era tal mi expectativa que yo esperaba algo magistral. Y no. Uno de los problemas que tenemos “los amantes del cine” es dejarnos llevar por los títulos y halagos de las campañas y prestigio del filme. Nos ciegan con los nombres detrás y frente a las cámaras. Nuestro criterio es devorado por la parcialidad y la pedantería. El listón blanco es una cinta mamona, con fotografía y dirección de arte linda y pensada hasta el último detalle. Pero es tal la pretensión de Haneke de querer enjaretar su mensaje antibélico que cae en lo repetitivo, obvio y fácil del mensaje “El mal es irrevocable y no se puede detener”. Larga, aburrida y con “tensión” escénica que sólo consigue dormir al espectador ante un discurso snob sobre el nacimiento del mal. Ok, el señor director es una leyenda y entrega obras maestras al por mayor, pero creer que Listón blanco está a la altura es un grave error. Es un panfleto antibélico que solo los pseudohipster entenderán (claro, ellos jamás han visto la maravilla satírica de MASH, que es un verdadero alegato a la guerra) por ser petulante y mamona.
Otra cinta que resulto una gran decepción fue Skyline. El tema prometía: invasión extraterrestre, un joven reparto, cinta de bajo presupuesto…esperábamos una maravilla tipo Distrito 9 o Cloverfield, dos de las recientes obras maestras del cine de ciencia ficción y que comparten las características arriba citadas. Ingenuamente compre mi boleto y comencé a sumergirme en el terror de una muy mala película. Personajes unidimensionales, actrices jóvenes al borde de la inexpresividad por el botox, efectos especiales hechos en casa, incongruencias narrativas pero sobre todo la historia es un largo plagio de Cloverfield (la pareja joven que encuentra el amor en medio de la tragedia) y sobre todo de Distrito 9 (vamos pues, el final es CASI el mismo). Es como si los directores de esta porquería se hubieran pasado por el arco del triunfo las coherencias del género y de tan sólo pensarlo maestros como Ridley Scott y James Cameron se lamentan al ver que “la nueva generación” no es nada original y revolucionaria como lo fueron ellos en su momento. La historia jamás es valiente, interesante y humana, algo imprescindible en el género Sci-Fi, por que por más que veamos naves, aliens y guerras fuera de otro mundo, lo que realmente importa es la trascendencia de los personajes y su valía en dos horas de metraje.
La última porquería que vi es Somos lo que hay. La historia es por demás interesante. Una familia de caníbales tiene que seguir adelante cuando el padre de familia muere. Sin embargo cae en todos los clichés habidos y por haber del cine mexicano. Groserías al por mayor (la palabra puta no había sido tan mencionada en 90 minutos), arquetipos de personajes (los gays son “locas” y las prostitutas son escoria de la sociedad) , música de cuerdas estridente (que no pueden contratar a un modesto músico que realmente proponga una banda sonora que se atreve a arriesgar, vamos, hasta el pendejo de Synteck hizo algo original con Sexo, Pudor y Lagrimas) lugares comunes del cine mexicano como miseria, pobreza, corrupción, desintegración familiar, delincuencia, violencia. De verdad ya estamos hartos que los nuevos cineastas se encarguen de retratar el país mísero o el país snob.
En resumen, no se dejen llevar por las recomendaciones y las buenas críticas, está bien arriesgar y entrar a la sala de cine a ver algo nuevo, pero si desde la reseña o del mismo cartel y tráiler de la película visualizamos un bodrio es mejor repetir con dignidad alguna otra cinta en el mismo cine o salir a tomar un café. Es más disfrutable que perder 2 horas de vida, donde en verdad no pasa nada.
Durante las próximas semanas la cartelera cinematográfica de nuestro país tendrá un bombardeo de buenas películas, que se vio muy floja en la temporada navideña. Desde lo último de Angelina Jolie y Johnny Depp o algunas que llevamos meses esperando como Buda As Sharm Foru Rikht. Parte de esta invasión repentina de estrenos será formada por las cintas nominadas al Premio de la Academia (Oscar).
Lo que realmente me emociona como cinéfilo/devorador/cinemániaco es que 5 directores de culto colocaran en la quiniela final sus trabajos (varios dicen que son obras maestras). Tenemos a Christopher Nolan-Inception,David Fincher-The Social Network,Coen Brothers-True Grit,Danny Boyle-127th-Hours.Darren Aronofsky-Black Swan. Soy admirador de su trabajo desde hace años. Yo era un mocoso cuando joyas tipo Sev7n,Tumba al ras de la tierra, Fargo,Memento,Pi se estrenaron, siendo culpables de mi creciente adicción. Lo cual no era novedad en mi. Desde niño veía con mi padre películas como El padrino o Chinatown, sagas mafiosas de Scorsese o neorrealismo italiano en las películas que pasaban a media noche en Canal 11(antes de que fuera descaradamente comercial, pero eso es otro asunto).
Digamos pues que tengo cierto conocimiento porque estudie com unicación y me especialice en medios, teniendo la fortuna de trabajar en cine y televisión (este año regreso al medio, debe de ser así, pero también es otro asunto). El punto es el siguiente: con el estreno de las cintas arriba mencionadas veremos en TODAS,TODAS,TODAS las salas del cine aquella tribu urbana conocida como Hipster. Ya saben, todos aquellos alternativos con agrado “irónico” de la moda: les gusta el rock indie, su dieta se basa en la comida orgánica y vegetariana (ajá). Pero la verdad es que tienen cortes tipo emo, se pavonean con su ropa comprada en la lagunilla o en saldos de Pull & Bear, hablan en IPhone o Blackberry, tienen twitter y FB, toman alto del día con dos pumps de vainilla y un toque de leche de soya…ah¡ pero eso sí. Se creen de izquierda y leen medio libro de Nietzsche y de Eco para tener tema de conversación. Pero uno de sus “puntos” fuertes: les encanta el cine de arte. Es típico encontrarlos en la Cineteca y en las muestras/festivales de cine. Ponen cara de “soy anticool” y fuman como carretoneros, sin contar que hablan con acento de “de aquí me voy al PATANEGRA”.
“Ellos” que no les gusto Inception por comercial o The Social Network por rápida, afirmando que sus directores no se la “rifan”. También dirán que les gusto Black Swan por oscura y arriesgada y que “este nuevo director” les gusto. Así es queridos lectores. La mayoría de estos poser wannabe creerán que descubrieron el trabajo de Aronfosky y “tienen” la autoridad “moral” y “crítica” para desprestigiar a Nolan ¿saben por qué? Simplemente porque el señor DiCaprio es la estrella, porque el filme cuenta con el apoyo de una gran compañía que es Warner Bros, por la extraordinaria campaña de publicidad. ¿Sabrán los engendros que Mr. Nolan es el director de “Memento””Insomnia” y sobre todo de “Following”? Es el mismo caso de Fincher (atacado por The Social Network) que realizo obras como Sev7n o Fight Club. Y hace dos años el fenómeno era el mismo con Danny Boyle. Todos los hipster atacando Slumdog Millionarie sin saber que cometían la pendejada de criticar el filme del director de Trainspottins, A life less ordinary o Shallow Grave.
¿A qué viene todo mi alegato? Disculpen señores pero los directores arriba mencionados se partieron mucho la madre para hacer las películas que tanto quisieron. Lograron lo pocos, ingresar a la industria y mantener su esencia independiente. Y son reconocidos, faltaba más. ¿Para que una los condechi, sureños coyoacaneces, estudiantes de artes y demás crean que tienen el coeficiente intelectual para desprestigiar sus obras? El mismo caso con los críticos de cine que basan su trabajo en “no me gusto””me aburrió”” es lenta”. El cine, como cualquiera de las artes se hace para disfrutarse, no para creer que se descubrir el hilo negro. Antes de ponerse a criticar, mejor sientan lo que los creativos nos quieren decir, déjense llevar por la emoción del arte. Y así tal vez abran sus mentes.
martes, 4 de enero de 2011
Mucho se ha hablado de “The Social Network”. Lo más sencillo de clasificarla es: Te gusta o no te gusta. No sólo por el tema, aparente, de Facebook. Muchos espectadores se han volcado a las salas de cine esperando ver un manual de cómo usar Facebook o la típica Chick movie de amor. No. The Social Network es el pretexto ideal para hablar de un tipo normal con ideas brillantes que es atrapado por su obsesión por una chica. En medio de la crisis desatada por terminar con su novia va creando una red social que transformo el mundo.
En el proceso, el lado oscuro del personaje aparece: traiciona a su único amigo, roba ideas y surgen otras que van dando forma a su posterior poder. Lo más interesante de la película es el tema central, que muy pocos descifran: La traición. Durante la proyección yo me preguntaba: ¿Cuántos de los hombres más poderosos del mundo no han aplastado a su familia,amigos,socios,empleados y enemigos para lograr su objetivo? ¿Hasta dónde llega la ambición, la sed de poder y el anhelado reconocimiento de los demás? Con estas cuestiones, de lo que David Fincher (el realizador) quiere hablarnos es de la etiqueta de: Ser es tener. ¿Cuánto tienes en tu cartera?¿Quién eres en tu trabajo?¿Cuanto tuviste que esperar para tu gran momento?. Fincher elabora su discurso de manera lineal y sencilla, siendo estas cuestiones plasmadas en el entorno, los diálogos, la interacción de los personajes. El mensaje no es digerido del todo y es la razón de la molestia del público. Pero bien se le puede quitar el hilo narrativo de la creación de Facebook y se puede hablar de otros emporios: Grupo Carso, los grandes medios de comunicación tales como Televisa o CNN, Starbucks, etc, etc, etc. Porque como es que llegaron a ser los grandes consorcios sino fue aplastando a otros más.
Con el cine de David Fincher pasa algo: Lo amas o lo odias. Así de bipolar el asunto con el director de cine, que se formo en los efectos especiales y después debuto en plena era MTV realizando videos de músicos como Rolling Stones.Björk,Madonna y un largo etc. De ahí dio el brinco a la dirección de películas nada “encasillables” que desatan reacciones encontradas: Alien 3, Sev7n, The Game, Fight Club, Panic Room, Zodiac, Benjamin Button y The Social Network.
Toda su filmografía podría parecer dispar, pero no. Su temática es la misma, si se analiza con detenimiento encontraran variantes recurrentes en sus historias: Un individuo común y corriente se ve atrapado en una situación límite. El entorno del personaje principal comienza a matizar y aderezarse con violencia, traición, desdoblamiento de personalidades y sobre todo una progresiva evolución del personaje principal.
Utilizando grandes angulares (que dan a la imagen mayor profundidad de campo, menos problemas de enfoque, ideal para espacios abiertos y darle mayor espacio a los pequeños) cuando el personaje interactúa con entorno, pero diestro en el uso de teleobjetivos para concentrarnos en las expresiones, reacciones y “pensamientos” de los protagonistas. Hábil uso de la cámara, buen director de actores, imprimiendo ritmo y articulación a la película, FIncher nos presentan en sus trabajos el lado “negro” del ser humano, aunque al final siempre discierne una luz de esperanza y redención, por más pequeña e insignificante que sea.
No piensen mal jóvenes ilustres. El pelón al cual me refiero es un músico de electrónica y salido de la escena underground de New York, lanzado al estrellato desde 1999 por aquel trabajo discográfico llamado “Play”. Moby no es el típico DJ famoso y cegado por la fama tocando y produciendo para las estrellas más importantes de la industria. No, el aprovecho su éxito para poder hacer los discos que siempre soñó, hablando de los temas que más le preocupan cómo el artista nato que es: el amor, la separación, la amistad, la muerte, la redención.
No haré una descripción detallada y cronológica de su trayectoria por que podría caer en algún error debido ya que antes de Play, Moby lanzo varias placas que no termino de conocer aún pero que conforman su ente creativo. Debido a eso les platicare sobre los trabajos posteriores a Play y lo que rodeo a cada uno de los procesos creativos y circunstanciales de cada uno. Les advierto que yo no sé mucho sobre música pero me guío por la pasión y amor que me despierta la música de Moby.
Play (1999) Anterior a este trabajo Moby era conocido dentro de la escena electrónica por algunos hits como “Go” o “Next is the E”. Y contaba con el apoyo de la crítica especializada por trabajos como “Animal Rights” o “I Like To Score”. Play fue el primer éxito masivo alrededor del mundo además de ser el primer álbum que vendió todos sus tracks a licencias de uso en televisión,cine,radio y publicidad. No por este hecho el trabajo deja de ser bueno. Play se caracteriza por la forma en que la música electrónica se fusiono con ritmos como góspel y folk con sonidos modernos como el house, canciones como Honey o Find My Baby son un ejemplo. También trabajo con samples (Natural Blues o Why Does My Heart Feel So Bad?) o temas influenciados por el rock (South Side) o Ambiental (Porcelain, Everloving). El booklet del cd esta conformado por 5 ensayos que hablan de el veganismo, la religión, el fundamentalismo, la música y el humanismo. El mood del disco es un hibrido entre alegría, euforia y tristeza lo cual es una constante dentro del disco. Abundan las letras tristes, sobre la desolación, la separación pero también hay piezas llenas de vida, alegría y belleza. Tal vez esa sea la cualidad más trascendente de Play, la ambivalencia de temas y el contraste de emociones que nos trae, algo así como una historia de vida y amor.
18 (2002) Siguiendo la línea de Play al mezclar samples, folk y soul con música electrónica pero ahora la línea general que guía al disco es un tono triste y redentor influenciado por el 9/11 (Moby vive enfrente de la zona cero) y que coincidió con su cumpleaños número 36. El trabajo también está con direcciones al rock alternativo. Las canciones más representativas de este disco son We Are All Made of Stars, In This World, Great Escape, Extreme Ways, In My Heart y Sunday(The Day Before My Birthday). Y que estas rolas sean las iconicas no es casualidad. Las letras hablan de arrepentimiento, fuga del dolor, perdón y redención. Del mismo modo el booklet del disco venía con dos ensayos sobre el fundamentalismo y el 9/11. El concepto que acompaño el disco fue sobre la vida extraterrestre y la necesidad del ser humano de buscar vida más allá de nuestro planeta, rasgo que sería definitorio en los trabajos posteriores de Moby. A partir de 18, Moby incluye en sus videos, presentaciones en vivo, entrevistas y medios de publicidad a unos pequeños extraterrestres, a un pez de plástico y demás parafernalia como alter ego. Además comienza a incluir en sus b-sides, videos y audios comerciales falsos y pequeños cortometrajes sobre sus alterego.
Hotel(2005) Este trabajo lleva a Moby a subir sus característicos beats al pedestal del Pop y el New Wave. Con una balanza que se mueve entre letras llenas de vida y alegría (Raining Again,Beautiful,Very) a canciones de dolor y desesperanza (Dream About Me,Slipping Away) este disco destaco por la rola “Lift Me Up” que fue un himno en contra del gobierno conservador de su país durante la administración Bush. Los beats están presentes, pero le ceden un digno lugar a las armónicas y/o caóticas guitarras, a la fuerza de la batería y las percusiones, al ritmo del bajo y aun juego de voces (masculinas y femeninas) que recuerdan al glam de Bowie ó la experimentación de New Order. Una anécdota curiosa respecto al título del disco es el siguiente: Moby decidió llamarlo así debido a que ya debido a sus giras constantes dormía más en hoteles que en su casa. Y siempre le causo curiosidad como en las habitaciones de un hotel pueden contener tantas historias en sus paredes, sabanas, camas, regaderas, sillones y como algo tan intimo es a la vez una exposición de tu vida privada. La variedad de las letras y estilos musicales van de la mano con el viaje emocional que implica el disco. De sonidos crudos y secos de los primeros tracks (la emoción de llegar a un Hotel, hospedarte con el ser amado) a la resaca emocional (separación, reconciliación, redención) Hotel es la alegoría de lo efímero de la vida.
Last Night (2008) Para Last Night Moby, realizo un álbum concepto siendo un homenaje a la escena de los clubs de la ciudad de New York, siendo icónico en su formación ya que en dichos pubs el tuvo su formación musical y obviamente a los raves donde comenzó a tocar. Creado por samples y ritmos programados y un constante uso del piano7teclado y voces potentes. En cierta forma, la unión de estos 3 elementos (cajas de ritmos, teclados y voces femeninas) supone un viaje al house de los años 80. Moby nos regale piezas magistrales como 257.Zero, Disco Lies, I´m Love, The Stars, Sus influencias musicales vuelven a ser inusuales para un artista como él: de los Bee Gees, a Diana Ross, Madonna, Abba, Michael Jackson. El disco contiene una calidez y uniformidad que no cae en excesos ya que los últimos tracks que son de Degenares a Last Night bien podrían representar el post-rave o post-after al regalarnos rolas cálidas y en downtempo que son un perfecto cierre al álbum. Paralelamente para promocionar su disco, el vegan electrónico deja de tocar en estadios, arenas y auditorios para hacerlo en Raves y festivales de música electrónica, siendo este su trabajo el cual no tuvo una gira oficial por así decirlo. Pero es perfectamente acorde al espiruto desenfadado del disco. Una joya musical.
Wait For Me (2009) Grabado enteramente en su casa y pretendiendo hacer algo íntimo, prescinde el pop, del rock y del disco y logra hacer una variante de la electrónica totalmente humanizado, siendo un trabajo en mood ambient totalmente sintetizada y llena de sentimiento. Las letras tristes retuman su lugar en un contexto etéreo, acuático y frágil. Hay piezas que solo son orquestaciones que deambulan entre el electrónico, guitarras tristes y samples de violines, siendo el sencillo Shot in The Back to The Head un ejemplo, así como canciones con voz que invitan a la reflexión como Wait For Me o Mistake que hablan de separaciones y duelo. Su voz contestaría también es patente en el tema antibélico que es Study War o el canto a los adictos a las drogas que es JLTF. Moby se apropia de su alterego (el pequeño extraterrestre) y da entrevistas por medio de el. Además de tocar en pequeños teatros y centros de entretenimiento esto con el fin de lograr el objetivo del álbum en vivo, crear una atmosfera intima y cálida. Wait For Me es sin duda el trabajo más personal de Moby, ya que conjunta su temor a la muerte y su esperanza de que haya una solución a los problemas actuales.
Para cerrar es análisis de Moby les regalo una muestra de su música. Flower un B-Side de Play, interpratada en el Salón Cuervo el día 6 de Octubre del 2009. Moby en la guitarra, Inyang Bassey en la voz y Kelly Scarr en el teclado...
