NINE y las actrices VS Rob Marshall

Nine es la nueva película de Rob Marshall, director de la sobrevalorada Chicago y la terriblemente aburrida Memorias de una Geisha. Cuando se anuncio el proyecto que hoy nos ocupa, mis esperanzas fueron al cielo al ver el conjunto de estrellas que estaría al frente. Daniel Day-Lewis, Marion Cotilliard, Penélope Cruz, Nicole Kidman, Kate Hudson, Sophia Loren, Judi Dench y Fergie (cantante de los Black Eyes Pies): puro peso golden en la industria del entretenimiento.


Y así Marshall comprobaba su poder de convocatoria en Hollywood. No solo dio uno de los puntos altos en la resurrección del género musical en el cine, al llevar a Chicago al triunfo en los Oscar, y que Memorias de una Geisha fuera un decoroso éxito en taquilla. Ahora su labor es la adaptación a la pantalla grande del musical ganador del Tony, Nine. El musical está inspirado en la obra maestra de Fellini, 8 ½.
Voy llegando del cine y tengo varias cosas que decir. Buenas y malas.



Como ustedes saben, yo soy detractor de Chicago, sobre todo porque le arrebato el Oscar a dos joyas cinematográficas que ya forman parte de lo mejor del cine en la década pasada. Los filmes que me refiero son: Las horas de Stephen Daldry, un retrato doloroso sobre la condición humana y Gangs of New York de Martin Scorsese, que es un testimonio del nacimiento de una de las naciones más violentas. Chicago es un musical muy bien filmado y entretenido, pero hasta ahí.

Nine repite la historia. Es una película espectacular. Un diseño de producción y de vestuario impresionante. Bellamente fotografiada, sobre todo los números musicales. Y sobre todo un elenco apasionado y que entrega todo en escena. Y Marshall se confirma como un gran director de actrices (OBVIO sin llegar a la maestría de otros mejores cineastas feministas actuales: Almodóvar, Tarantino, Mendes, Hanake…). Pero el guión es muy disparejo y hace que todo el esfuerzo arriba mencionado derrumbe el gran filme que pudo ser.



Y me extraña porque, el guion es firmado por uno de los cineastas más respetados de la industria: Anthony Minghella., director de las maravillosas y emblemáticas Breaking and Entering y The Talented Mr. Ripley, obras maestras del cine negro, llenas de suspenso, tensión, sexualidad e intriga. Y también director de las dos elocuentes y enormes The English Patient y Cold Mountain. Vaya pues, el hombre era un genio (falleció el año pasado) y sus películas eran garantía de calidad y buen cine.

Mi pregunta es ¿Qué tanto respetaron Marshall y su crew la visión del cineasta finado? Porque como fan del cine de Minghella, déjenme decirle que el visionado que presencie tiene pocas constantes de su cine…y si tomaron el guión y lo filmaron ¿era un borrador o en qué etapa creativa del mismo decidieron llevarlo a la pantalla? ¿Minghella en realidad entrego un trabajo tan medio a los Weinsten para que echaran a andar el proyecto?

Nunca lo sabremos, pero este es el principal problema del filme. La historia es sobre la crisis existencial de un hombre maduro y que le impide encontrar inspiración para su siguiente filme. La primera secuencia es brillante, porque plantea la premisa de manera genial. Sin embargo, todo se desborda hacia los problemas sentimentales y de cama del protagonista. Y de esta forma, los números musicales lucen incoherentes dentro del desarrollo de la historia, porque no ayudan a avanzar la historia, solamente reafirman el mood de la obra. Y Daniel Day-Lewis se muestra entregado y a tono, pero no está al nivel de sus trabajos anteriores. Y es aquí donde la película es salvada por las siete actrices que rodean al protagonista.



La primera de ellas es Marion Cotilliard como Luisa, la fiel esposa de Guido. La Cotilliard esta magistral como la mujer abnegada, dolida, triste. Y no solo eso, tiene a su cargo los mejores números musicales del filme, destacando Take it All, donde se devora por completo la pantalla, al interpretar un número musical que es una liberación para su personaje. La dignidad que mantiene hasta la ultima secuencia y el amor incondicional a su marido, hacen de esta, la mejor presencia del filme.



Después esta Penélope Cruz como Carla, la amante de Guido. Derrochando
sensualidad, inocencia, conformismo, la española vuelve a imponerse como una actriz muy buena. No solo canta y baila estupendamente, el tono pícaro del numero me hizo reír y disfrutar como si estuviera en algún cabaret. Pero debo de admitir que Marion merecía más la nominación al premio de la academia que la misma Cruz.



Nicole Kidman ha sido critica en su papel por no brillar lo suficiente. Pero su rol daba para más y ella lo lleva a cabo con valentía y lo resuelve de una manera exquisita. Su numero musical es una súplica de amor no correspondido, y por lo tanto vemos un momento muy triste en la pantalla. Una diosa del cine, perfecta, musa, bajada del cielo, llena de vida, es descalabrada por la vida.

Las demás actrices están muy bien. Judi Dench está bien como la confidente de Guido, y su número es correcto para una mujer de su edad. Sophia Loren, en un rol muy breve, ilumina la pantalla con su presencia, sin embargo un rol que pintaba más interesante es desaprovechado por el director. Esto aplica también para el personaje de Kate Hudson, que esta bellísima en pantalla y baila como tornado y su simpatía es explotada pero su personaje no tiene cabida en la historia, solo funge para darle un empuje narrativo a la historia de Guido y Luisa, eso sí, su número es muy bueno, hasta ganas de bailar me dieron. Y Fergie demuestra su domino de escena en un personaje también muy rico, pero muy desaprovechado.

En mi opinión, las actrices entregan el alma en cada escena, y por decirlo de alguna forma, opacan el trabajo de Lewis que parece en otra película, donde su intensidad contrasta con el carisma del ensamble femenino. Y todo esto por culpa de un guión inexplotado o tal vez ignorado o tal vez que solo sirvió como escaleta. Y todo esto gracias a Rob Marshall, un director muy bueno para ensamblar el aspecto visual, pero que aún le falta mucho para ponerse al mando de trabajos tan complejos como los tres que ha dirigido. Ahhh y por cierto, que alguien le recuerde que en el Teatro es totalmente justificado la salida de escena de personajes, pero en Cine tienes que llevarlos a un plano más complejo y visual, no solo poner, cortar y pegar.

Nine está viva solo por las actrices. Y me sigo preguntando ¿Cómo hubiera quedado en manos del cineasta Anthony Minghella?

Vivir en el valle de las sombras...

Creo, es prudente decirlo, que el arte nos enseña muchas respuestas que podemos ecnontrar en nuestro día a día. La situación que se vive en el mundo, donde parece que pronto estallara todo y no sabemos como acabara, es necesario revisionar un filme que nos demuestra lo bajo y triste de la existencia humana, cuando esta es inundada por guerras, homicidios, gobiernos incompetentes, diferencias irreconciliables, narcotrafico, dolor, perdida y muerte...

En el Valle de las Sombras (In The Valley of Elah) de Paul Haggis habla sobre el dolor de las consecuencias de la violencia en nuestra vida, y nuestra capacidad para salir adelante y encontrar sed de justicia. El filme de Haggins es sobre la guerra de Irak,y loa terribles daños colaterales en los ciudadanos americanos pero tristemente también es aplicable con los paises latinoamericanos, o también con cualquier país que enfrente una guerra sin sentido, y que nos va cegando, donde vemos que el impacto de ataques contra civiles, es cada véz menos catastrofica y aceptandolo como el día al día.

En nuestro país, es obvio mencionar que la guerra contra el narcotrafico nos ha dejado una huella llena de incertidumbre y tristeza. Lugares como Matamoros, Michoacan, Cd Juarez, Guerrero, Mazatlan se han convertido en ciudades peligrosas, sitios de guerra, lugares de duelo, donde no sabemos como acabara todo. El asesinato de hace 2 semanas de 15 jovenes en una fiesta, confundidos por pandilleros por otro grupo de mismos, no hizo más que derramar el agua del vaso. Si señores, yo estoy hasta la madre...y para mi, nada mejor que hablar de esta situacíon, que por medio de una pelicula.



Sigo en shock...las primeras imagenes de esta pelicula de Paul Haggis me dejaron sin habla. No hay mucho que pueda agregar a esta gran pelicula. Pero antes contextualizare un poco, cuando Crash, la opera prima de Haggis le ROBO el oscar a BrokeBackMountain, no entendia como una representación, solo eso, UNA REPRESENTACIÓN, de las DIFERENCIAS ENTRE SERES HUMANOS, hundia a uno de los poemas audiovisuales mas impresionantes de los ultimos años. El amor, la locura y los secretos que guardamos fueron hundidos por la politequeria correcta de Crash. El discurso fue simple, SOMOS TOLERANTES A TODO MUNDO, Y DEBEMOS COEXISTIR...y ya!!!!!!!!!!!!!!!! Mientras Brokeback nos invitava a enfrentarnos con nuestros miedos, nuestra soledad, a lamernos las heridas...


Pero Haggis se redimio completamente con este filme. Hay una escena clave que me ayuda a entender la filosofia de la cinta, y que me da un sentimiento de tristeza total, porque expresa nuestro sentir. Y esta escena clave tiene una elipsis maravillosa al final del FILME. Cuando Hank(Tommy Lee Jones) va en busca de su hijo, pasa afuera de una escuela. Detiene su carro y corte a, lo vemos izando la bandera junto con el trabajador de intendencia. La bandera esta de cabeza, y Hank le dice que jamas debe de estar la bandera de cabeza, por que significa que estan en problemas. Significa que estamos en problemas y se han agotado los recursos para salir adelante, porque no hay ninguna posibilidad de salir adelante, de salvarse...



Hank recibe una llamada del ejercito, informandole que su hijo no ha regresado a la base y en caso de no hacerlo, sera juzgado. Y aki comienza la tragedia humana de Hank, donde sus ideales son derribados al darse cuenta de los motivos, pero sobre todo de las VIVENCIAS de los soldados de guerra. Hank busca la ayuda de las autoridades, de sus amigos, y solo recibe una patada en las bolas y el tipico ES ASUNTO CERRADO regrese a su casa. Es ahi cuando se le une la detective Emily(Charlize Theron), una mujer ha visto y sufrido de todo.

Ahora estos dos personajes, hombro con hombro tratan de avanzar en medio de la tragedia que se avecina. Y mientras Emily sigue sus impulsos y lucha desesperada por encontrar la verdad, y en esa busqueda dejarle un mundo mejor a su hijo. Hank ve ante sus ojos, que el ´pais por el cual siempre ha peleado y defendido es arrollado por una guerra sin sentido, que solo tiene intereses politicos, llevandose no solo al pueblo norteamericano entre sus pies, sino al mundo entero.



Y ahi radica la belleza del filme. Es una historia de personajes atrapados en una situacion fuera de su alcanze, fiel a la costumbre de las grandes tragedias griegas. Hank es la representación del padre estoico, en busca de la verdad, sufriendo al ver que su mundo se derrumba, y que nada NI NADIE en el que confiara le podra explicar que diablos pasa, cada arruga, cada silencio, cada suspiro, cada lagrima contenida de Hank, nos hace adentrarnos a su dolor y a la impotencia de un padre de familia que ve, horrorizado, como su familia se desborona, y en la decadencia por la cual su hijo paso y que ya no hya marcha atras. Su hijo, Mike, enloquece ante los crimines de guerra que presencia, y al igual que sus compañeros de la milicia, comienza a ver el mundo con toda su locura como algo normal, algo que tiene que ser, para sobrevivir...

Emily, ante tanta locura, atrapada entre compañeros ignorantes, y ante la devastadora situacion en la que se ve envuelta junto a Hank, ve en este caso la manera de hacer justicia por su propia mano, OJO NO CON VIOLENCIA, pero si con la razón, y los motivos para dejarle algo de razón y etica a los que vienen atras de nosotros. En este caso su pequeño hijo, donde Emily encuentra la unica forma de aferrarse a la unica pureza que existe en su mundo lleno de violencia, frustracion y dolor. Una manera de redimirse ante decisiones mal tomadas y que la hacen dudar de su capacidad.

El metaforico y biblico titulo de la pelicula, nos remite al valle donde David enfrento a Goliat. Donde la arrogancia y el poder se enfrentaron contra la fe y el temple humano. Yo solo espero que seamos más los David, los Hanks y las Emilys para enfrentar a los Goliat del mundo...¿Cuando sera el dia en que los ideales tumben a los poderosos del mundo, cuando encontremos nuestro discurso entre tanta locura?




Las actuaciones de Jones y Theron son antologicas, logrando un intenso duelo de actuaciones, donde los silencios y las miradas dicen más que toda una verbolaria que otro director hubiera puesto. A este binomio por momentos se les une un tercer punto, Joan (susan sarandon) que con solo poquisimas escenas, nos muestra la desesperación de una madre que ha perdido a sus dos hijos. Y Sarandon hace que nos identifiquemos con la desesperación y el siempre preguntarnos del porque de las cosas...

Cerrando esta critica, el FILME termina con Hank regresando a la escuela donde izo la bandera. Pero ahora pone la bandera de cabeza, como escape a todo el dolor que acaba de sufrir. Y de esa forma busca un poco de redencion ante los terribles secretos que oculta su alma. Y Si tal vez sea un discruso politico, lleno de dolor, pero estoy de acuerdo con Hank. Deberiamo de poner la bandera de todas las naciones de cabeza, en señal de alarma y de auxilio, como un paño de lagrimas, demostrando que como humanidad hemos perdido el control y el rumbo de la vida...

A SERIOUS MAN...a film of the brothers Coen...

Hace unos días, en Twitter, mencione que las dos mejores películas americanas del año eran Inglourius Basterds de Quentin Tarantino, y Up In The Air de Jason Reitman. Grave error. Los Bastardos siguen en el trono, por su mordaz, cómico, divertido, irónico, magistral desmadre que es el filme. Los hermanos Coen, llegan con su nuevo filme, A Serious Man, para quitar a Clooney del pedestal que le han puesto en su filme.

A Serious Man es un retrato duro e irónico de un hombre judío, llamado Larry Gopnik, un respetado profesor de Física. Aparentemente su vida es sencilla y sin más eventos importantes que el recorrer de su vida diaria. Un día, y sin aviso, por cuestión de azar, su mujer le pide el divorcio, un estudiante intenta chantajearlo, su hija le roba dinero, su hijo es un junkie, su primo se mete en problemas con la justicia, su vecino comienza a odiarlo más, una vecina entra en un extraño juego de seducción con él, al tiempo que unas misteriosas cartas amenazan con ponerle fin a su carrera de académico.




Y este hombre, que comienza a resignarse, al ver la evolución de los problemas que lo rodean, decide pedir ayuda a tres diferentes rabinos, mientras su mundo se derrumba. Y para terminar de redondear su fatal existencia, unos extraños sueños perturban sus momentos de paz nocturna. Y es así como Larry intenta mantener el orden mientras las situaciones se salen de control.

El destino, el azar y las coincidencias son parte fundamental de la vida. Cuando uno da por asimilados y seguros los cimientos que nos rodean, siempre hay algún evento que nos hace recordar la fragilidad humana y la falsa estabilidad de nuestra condición en el universo. Es así como se puede describir la película. Ya que estos tres elementos mencionados van hilando la historia, llenándola de humor negro y acido junto con la más grande desesperanza.

Los hermanos Coen no solo llevan a la pantalla el sentido de pérdida de rumbo, sino también las preguntas y cuestiones existenciales que diario nos hacemos en la vida del día a día. De esta forma Larry busca el aparente equilibrio que estaba en su vida. Pero ni el mismo sabe porque quiere el regreso de su estabilidad, que al tiempo se destapa como mediocre y complaciente. Y sin embargo el se aferra a la esperanza de poder tener lo que era antes, aunque sea fango y complacencia.

Los rasgos estilísticos y narrativos que han hecho de los Coen una pieza
fundamental del cine americano, están presentes en esta obra. Cuando estaban en la etapa de promoción de No Country For Old Men, en una entrevista, comentaban que al planear la primera secuencia de cualquiera de sus películas, esta debe, por cuestiones argumentales, estilísticas y narrativas retratar el espíritu del filme en cuestión. En No Country…la primera secuencia nos muestra tierras áridas, con rastros de sangre, y un terrible cuadro lleno de muerte, un lugar donde no hay tregua, y donde los instintos humanos y la avaricia no tienen fin. Un lugar donde no hay fé ni existencia de Dios.

Una de las reglas en los medios audiovisuales es atrapar al espectador en los primeros minutos, y en el prologo de A Serious Man, esta norma se cumple a la perfección al contarnos una leyenda judía sobre la inesperada llegada de un visitante nocturno a un matrimonio a finales del siglo XIX. La pareja se debate entre la idea de que podría ser un humano o un bybbuk (espíritu maligno). La discusión y los argumentos de ambas partes suben de tono, hasta culminar con un desenlace que quita el aliento. Y es así como este pequeño relato dentro del filme, pone de antemano lo que presenciaremos durante unas horas. La completa naturalidad con la que se convive entre el destino y lo que nosotros planeamos.

Ya mencionando los rasgos narrativos y argumentales, el otro punto fuerte y llamativo del filme, es la elección de las tomas y como estas ayudan al desenvolvimiento del ritmo. La forma en que los Coen van montando y dirigiendo las secuencias corresponde a la ética misma del argumento. Sin embargo estas tomas que van armando la escena y por consiguiente la secuencia, van cargadas de simbolismos que hacen muchísimo más rica la experiencia. Un ejemplo es una de las escenas cumbre del filme. Cuando el protagonista sube al tejado de su casa a reparar la antena del televisor, el observa el panorama del vecindario con una calma inusitada, llena de vida, mientras el sol ardiente va cubriendo de luz el cuadro. Esta manifestación de iluminación y liberación lo hace caminar sobre el tejado, explorando más allá de su limitada visión. En un punto el alcanza a observar a su vecina de al lado, que se asolea desnuda en su patio privado, y atraído por la excitación camina hasta el precipicio….cuando la luz y el sol lo derrumban.

Esta forma de ir hilando el lenguaje visual y narrativo a lo largo del filme, encuentra su clímax en el bíblico final, donde Larry recibe una llamada fatídica, con un tornado de fondo. Cerrando un ciclo, pero el destino ,de forma inesperada, le tiene una nueva sorpresa. Siendo totalmente simbólica y liberadora la ultima toma del filme, sin quitarle su dosis de impacto y juego en el cual los Coen nos sedujeron por 2 horas.

De esta forma, el alcance emocional y espectacular del filme, dejando como sendero, toda la lluvia de ideas en forma de movimientos de cámara espectaculares, cuadros virtuosos, interpretaciones magistrales, sobre la condición humana y el azar. Pero a la vez, es una lección de cómo y dónde ubicar la cámara para narrar una historia.

Por último tengo que agregar los siguiente. Mi primer acercamiento con los Coen fue con Fargo. Aún recuerdo a la gran Frances McDormand robándose mi corazón con su impecable interpretación de Marge una sheriff embarazada y con una voluntad a prueba de balas. Muchos años después, fui testigo de la creación de uno de los villanos más temibles del cine, el Anton de Bardem. Dos personajes extremos, en dos parábolas dramáticas y complejas de la condición humana. Ahora Marge y Anton comparten con Larry, el lugar de la mejor película de los Coen.