MOBY: un pelón salvo mi vida.

No piensen mal jóvenes ilustres. El pelón al cual me refiero es un músico de electrónica y salido de la escena underground de New York, lanzado al estrellato desde 1999 por aquel trabajo discográfico llamado “Play”. Moby no es el típico DJ famoso y cegado por la fama tocando y produciendo para las estrellas más importantes de la industria. No, el aprovecho su éxito para poder hacer los discos que siempre soñó, hablando de los temas que más le preocupan cómo el artista nato que es: el amor, la separación, la amistad, la muerte, la redención.

No haré una descripción detallada y cronológica de su trayectoria por que podría caer en algún error debido ya que antes de Play, Moby lanzo varias placas que no termino de conocer aún pero que conforman su ente creativo. Debido a eso les platicare sobre los trabajos posteriores a Play y lo que rodeo a cada uno de los procesos creativos y circunstanciales de cada uno. Les advierto que yo no sé mucho sobre música pero me guío por la pasión y amor que me despierta la música de Moby.



Play (1999)
Anterior a este trabajo Moby era conocido dentro de la escena electrónica por algunos hits como “Go” o “Next is the E”. Y contaba con el apoyo de la crítica especializada por trabajos como “Animal Rights” o “I Like To Score”. Play fue el primer éxito masivo alrededor del mundo además de ser el primer álbum que vendió todos sus tracks a licencias de uso en televisión,cine,radio y publicidad.
No por este hecho el trabajo deja de ser bueno. Play se caracteriza por la forma en que la música electrónica se fusiono con ritmos como góspel y folk con sonidos modernos como el house, canciones como Honey o Find My Baby son un ejemplo. También trabajo con samples (Natural Blues o Why Does My Heart Feel So Bad?) o temas influenciados por el rock (South Side) o Ambiental (Porcelain, Everloving). El booklet del cd esta conformado por 5 ensayos que hablan de el veganismo, la religión, el fundamentalismo, la música y el humanismo.
El mood del disco es un hibrido entre alegría, euforia y tristeza lo cual es una constante dentro del disco. Abundan las letras tristes, sobre la desolación, la separación pero también hay piezas llenas de vida, alegría y belleza. Tal vez esa sea la cualidad más trascendente de Play, la ambivalencia de temas y el contraste de emociones que nos trae, algo así como una historia de vida y amor.


18 (2002)
Siguiendo la línea de Play al mezclar samples, folk y soul con música electrónica pero ahora la línea general que guía al disco es un tono triste y redentor influenciado por el 9/11 (Moby vive enfrente de la zona cero) y que coincidió con su cumpleaños número 36. El trabajo también está con direcciones al rock alternativo.
Las canciones más representativas de este disco son We Are All Made of Stars, In This World, Great Escape, Extreme Ways, In My Heart y Sunday(The Day Before My Birthday). Y que estas rolas sean las iconicas no es casualidad. Las letras hablan de arrepentimiento, fuga del dolor, perdón y redención. Del mismo modo el booklet del disco venía con dos ensayos sobre el fundamentalismo y el 9/11. El concepto que acompaño el disco fue sobre la vida extraterrestre y la necesidad del ser humano de buscar vida más allá de nuestro planeta, rasgo que sería definitorio en los trabajos posteriores de Moby.
A partir de 18, Moby incluye en sus videos, presentaciones en vivo, entrevistas y medios de publicidad a unos pequeños extraterrestres, a un pez de plástico y demás parafernalia como alter ego. Además comienza a incluir en sus b-sides, videos y audios comerciales falsos y pequeños cortometrajes sobre sus alterego.


Hotel(2005)
Este trabajo lleva a Moby a subir sus característicos beats al pedestal del Pop y el New Wave. Con una balanza que se mueve entre letras llenas de vida y alegría (Raining Again,Beautiful,Very) a canciones de dolor y desesperanza (Dream About Me,Slipping Away) este disco destaco por la rola “Lift Me Up” que fue un himno en contra del gobierno conservador de su país durante la administración Bush.
Los beats están presentes, pero le ceden un digno lugar a las armónicas y/o caóticas guitarras, a la fuerza de la batería y las percusiones, al ritmo del bajo y aun juego de voces (masculinas y femeninas) que recuerdan al glam de Bowie ó la experimentación de New Order. Una anécdota curiosa respecto al título del disco es el siguiente: Moby decidió llamarlo así debido a que ya debido a sus giras constantes dormía más en hoteles que en su casa. Y siempre le causo curiosidad como en las habitaciones de un hotel pueden contener tantas historias en sus paredes, sabanas, camas, regaderas, sillones y como algo tan intimo es a la vez una exposición de tu vida privada.
La variedad de las letras y estilos musicales van de la mano con el viaje emocional que implica el disco. De sonidos crudos y secos de los primeros tracks (la emoción de llegar a un Hotel, hospedarte con el ser amado) a la resaca emocional (separación, reconciliación, redención) Hotel es la alegoría de lo efímero de la vida.


Last Night (2008)
Para Last Night Moby, realizo un álbum concepto siendo un homenaje a la escena de los clubs de la ciudad de New York, siendo icónico en su formación ya que en dichos pubs el tuvo su formación musical y obviamente a los raves donde comenzó a tocar. Creado por samples y ritmos programados y un constante uso del piano7teclado y voces potentes. En cierta forma, la unión de estos 3 elementos (cajas de ritmos, teclados y voces femeninas) supone un viaje al house de los años 80.
Moby nos regale piezas magistrales como 257.Zero, Disco Lies, I´m Love, The Stars, Sus influencias musicales vuelven a ser inusuales para un artista como él: de los Bee Gees, a Diana Ross, Madonna, Abba, Michael Jackson. El disco contiene una calidez y uniformidad que no cae en excesos ya que los últimos tracks que son de Degenares a Last Night bien podrían representar el post-rave o post-after al regalarnos rolas cálidas y en downtempo que son un perfecto cierre al álbum.
Paralelamente para promocionar su disco, el vegan electrónico deja de tocar en estadios, arenas y auditorios para hacerlo en Raves y festivales de música electrónica, siendo este su trabajo el cual no tuvo una gira oficial por así decirlo. Pero es perfectamente acorde al espiruto desenfadado del disco. Una joya musical.


Wait For Me (2009)
Grabado enteramente en su casa y pretendiendo hacer algo íntimo, prescinde el pop, del rock y del disco y logra hacer una variante de la electrónica totalmente humanizado, siendo un trabajo en mood ambient totalmente sintetizada y llena de sentimiento. Las letras tristes retuman su lugar en un contexto etéreo, acuático y frágil.
Hay piezas que solo son orquestaciones que deambulan entre el electrónico, guitarras tristes y samples de violines, siendo el sencillo Shot in The Back to The Head un ejemplo, así como canciones con voz que invitan a la reflexión como Wait For Me o Mistake que hablan de separaciones y duelo. Su voz contestaría también es patente en el tema antibélico que es Study War o el canto a los adictos a las drogas que es JLTF.
Moby se apropia de su alterego (el pequeño extraterrestre) y da entrevistas por medio de el. Además de tocar en pequeños teatros y centros de entretenimiento esto con el fin de lograr el objetivo del álbum en vivo, crear una atmosfera intima y cálida. Wait For Me es sin duda el trabajo más personal de Moby, ya que conjunta su temor a la muerte y su esperanza de que haya una solución a los problemas actuales.

Para cerrar es análisis de Moby les regalo una muestra de su música. Flower un B-Side de Play, interpratada en el Salón Cuervo el día 6 de Octubre del 2009. Moby en la guitarra, Inyang Bassey en la voz y Kelly Scarr en el teclado...

Fabula (In) Moral Never Let Me Go de Kazuo Ishiguro.

Todos somos peones del destino, por más que nos esforcemos la vida siempre nos tiene preparados sorpresas y alguna fuerza superior que mueve los hilos de nuestra existencia.

No importa que el titiritero del destino sea Dios, el gobierno, alguna persona: nuestros caminos siempre son marcados por circunstancias. Y esa es la premisa de la novela de Ishiguro “Nuca Me Abandones”. La historia gira en torno a Kathy,Tommy y Ruth, jóvenes estudiantes de un “colegio” muy exclusivo llamado Hailsham. Por medio de su amistad y amor vamos descubriendo los secretos que los rodean en su escuela y e por que siempre se les recuerda que son “especiales”.

Rozando los géneros de la ciencia-ficción, el thriller y el drama el autor nos da una visión del mundo actual. Los protagonistas descubren, de su paso de la niñez a la adolescencia y de esta a la edad adulta, las mentiras y engaños en los que han vivido. Pero en lugar de hacer una revolución desde su muy pequeña trinchera, Kathy,Tommy y Ruth toman estos hechos como un autodescubrimiento de sí mismos, de su amistad y los fuertes lazos que han logrado durante años.

Lo interesante de la visión de Ishiguro es el desarrollo de los personajes. No decide explotar la negrura de la historia yéndose al ámbito de la Sci-Fi , si no que los fuertes cuestionamientos sociales que se hacen a lo largo de la historia (la clonación humana, la doctrina por parte del gobierno, el adiestramiento escolar) los explora por medio de los pensamientos de los héroes.

Rodeados de un bosque lúgubre y con una educación fomentada en las artes, los alumnos de Hailsham crecen un medio entre rigidez victoriana y la actitud hippie. Todo este aire termina con un frio insólito: la protección de los alumnos por que son la punta de lanza para un movimiento humanista que propone un sistema de clonación. Lo cual ocurre en el primer tercio del libro.

Primos de los replicantes de Blane Runner deben asumir con toda naturalidad su desamparo ante el mundo: fueron creados a imagen y semejanza de los posibles, causándoles un enorme conflicto moral. En cada paso que dan estos jóvenes nos damos cuenta que sufren de amor, de amistad de dolor y que también tienen sueños y esperanza sobre su futuro y que ha cada paso que dan muestran su alma artística.

Ansiosos por encajar y ser aceptados los protagonistas se aferran a sus sentimientos y sus recuerdos. Pero el tiempo y el poder que está detrás de ellos pueden más que su afán de demostrar que son humanos. La nostalgia y el dejo de tristeza es latente en cada página. Lo más devastador e impactante y que nos deja con un nudo en la garganta es la estoica aceptación con la que afrontan su fin. Kathy,Tommy y Ruth jóvenes llenos de pasión no se revelan contra su suerte. Y es el punto más alto de la historia, porque nosotros lectores hemos aceptado formas de engaño y sumisión, porque en vez de romper las cadenas de la verdadera realidad, aceptamos simulacros de realidad.

Deja de escuchar la estática. Solo significa que todo en el mundo es como transmisión que se abre paso sobre la oscuridad.Todo, la vida,muerte,el amor,la amistad...todo esta cubierto de estática, y si escuchas mucho la estática estas jodido.

Stay Down...

.Uno de mís problemas al escribir depende de las circunstancias que me rodean. Antes estaba rodeado de sueños y era fácil darle un pincelazo a la vida. Ahora, mas viejo, mas fracasado y más realista me doy cuenta de lo inestable de la vida. Y de alguna forma eso me da esperanzas sobre el rumbo de las cosas. Aunque la certeza de saber a que puerto llegan me puede hacer enloquecer. Antes era mas rígido y fundamentalista. Ahora se que las cosas son como son. No antes y después. Porque la vida da vueltas y me esfuerzo por estar arriba de nuevo, aunque, poco a poco vuelva a estar abajo.


Aqui les dejo una rola que define mi situación actual...Con la gente que amo a mi alrededor, los fisher, el pookie y mis amigos, tengo que salir adelante...

El sutil encanto de Julia Roberts.

En unas décadas, cuando los próximos estudiantes y/o estudiosos del cine repasen sus apuntes ó lean sus libros de historia del cine, y lleguen al apartado de Estrellas de Cine, uno de los Íconos que servirá como descripción de este apéndice, será Julia Roberts.





No me concentrare en un análisis sesudo de su carrera ó en todas sus cualidades cómo actriz, qué las tiene, sin duda. Pero tenemos que resaltar algunas de ellas. Antes que nada, ese carisma roba cámaras, una sonrisa perfecta, unos ojos juguetones, y el cariño incondicional del público. Pocas estrellas actuales resisten el paso del tiempo, ejemplos hay, cómo la heroína en desgracia conocida cómo Nicole Kidman. Pero no sólo es ese físico y personalidad envidiables. Sus actitudes y aptitudes de actriz no son cuestionables. Escoge sus proyectos sabiamente, trabaja con directores , que, desde una personal trinchera, van en contra de lo que se hace, y sobre todo se arriesga. He ahí su más grande valor. Julia Roberts, la gran reina del genero romántico ha sorteado el género y lo ha sobrepasado, películas como Closer, Erin Brockovich , Ocean’s Eleven, Duplicity ó las mismas comedias que són Nothing Hill o My Best Friend Wedding.





Julia conoce el COMO moverse ante la cámara de cine, sabe domar los ángulos y la altura, conoce el lenguaje cinematográfico cómo nadie, y tal vez comparta este DON con divas como Cate Blanchett, Julianne Moore o Kate Winslet… exagero? No creó, aquí algunos ejemplos.


My Best Friend Wedding
Julia interpreta a Julianne, una crítica culinaria, en el borde de los 30, desesperada por que “el amor de su vida” está próximo a casarse. Julia deja atrás los clichés que la hicieron famosa, y se arroja a la cámara cómo desalmada y egoísta, pero cómo nunca la habíamos visto. Vulnerable al extremo por que el amor no es para ella. Hay varias escenas antológicas, pero la que se lleva las palmas es su discurso en la boda. La mujer bonita comienza a dejar su altar y decide ser una mujer sola y abandonada.


Erin Brockovich
Erin es una mujer sin educación, iletrada, pobre, con 3 hijos que mantener y muchas cuentas que pagar. Pero una voluntad de oro que no se dobla. Julia saca otra faceta que no conocíamos de ella, el orgullo y la desesperación, reflejada en gritos, rabietas y escenas de desplantes que no caen en la sobreactuación, sino que son perfectamente entendibles y lógicos. (motivo por el cual gano el Oscar, una actuación decorosa y limpia, y por el cual triunfo sobre Ellen Burstyn, que rozo los límites de la exageración).



Closer.
Anna una mujer insegura, soberbia, falsa, con baja autoestima, que cae en las redes de un cuadrado amoroso que empuja a los límites de la pasión y la locura. Julia no sólo demuestra EL PUNTO de su carrera, no. Se atreve a jugar con su sexualidad, su belleza, su cuerpo. Por primera vez sus ojos muestran deseo y fuego sexual. Y los diálogos, no aptos para puristas, son cómo música heavy metal en voz de un ángel en desgracia. Muy pocas veces una ESTRELLA de cine había lucido tan humillada, en papel, cómo ella. Una Roberts sexual, hedonista y cínica.


A propósito de Comer,Rezar,Amar…
Julia se luce cómo Elizabeth en su última película. Admito que maneja el género cómo nadie, y que al verla en pantalla dan más ganas de abrazarla y protegerla. Hay escenas que demuestran lo aprendido por los tres roles pasado. Una: cuando reza en el baño de su casa. Si su tono de actuación hubiera sido así todo el filme, segura nominación al Oscar. Otra: Cuando se despide de su maestro de italiano y ella espera otra clase de despedida. Decepción en su mirada. Una más: cuando escucha a Richard en la azotea de meditación. Hace lo que muy pocas saben del genero, escuchar a sus co-estelares y no lucirse. La ultima: Su pelea con Javier Bardem en la playa. Yo tenía miedo de ese duelo actoral en la pantalla. Pero sale triunfante y logra un mano a mano muy interesante.

Lo mejor del cine...00'

Esta lista es bastante subjetiva pero deben de reconocer que TODAS Y CADA UNA DE ELLAS tienen un valor excepcional en la historia del cine. Más allá de la técnica y el lenguaje cinematográfico cada una de estas historias lleva un sentido de la humanidad (desde el más puro sentimiento al odio más enjaulado). No las pongo en orden de preferencia, son varias las que se me vienen a la mente, pero estoy seguro que todas ellas forman parte de mi historia personal.



Volver de Pedro Almodóvar (2006)





El más generoso, sorprendente, hondo, espontaneo, elaborado, sencillo, compleja, fluido, gracioso, triste, lacerante, poético, conmociónate y hermoso retrato del universo femenino jamás llevado a la pantalla grande. En esta película están juntas todas aquellas características y esencias que hacen de su autor un cineasta sensible y distinto. Un filme inteligente, humano, lleno de humor negro y blanco, desgarrador, tierno, que logra un balance entre los claroscuros y los matices de la vida, representado por una familia llena de mujeres, que saben amar, mentir y cuidarse entre ellas mejor que nadie.


The Departed de Martin Scorsese (2006)




El mejor director estadounidense de los últimos 40 años logro regresar a sus temáticas recurrentes de sus primeros años, en la que es su película más comercial. Rodeado de un equipo actoral en estado de gracia, la trágica saga de los difuntos (el título original de la obra) es una alegoría de la podredumbre de la sociedad actual. Con un ritmo vertiginoso y que nunca cede en concesiones, la historia nos lleva por el lado oscuro de la mafia y las instituciones policiacas, donde todo está embarrado de la misma mierda, y donde nada ni nadie se perdona, llevando este mensaje al máximo en el fotograma final.


Millions de Danny Boyle (2004)




Antes de Slumdog Millionarie, el señor Boyle nos entrego una pequeña cinta con las mismas bases dramáticas, argumentales y circunstanciales de su oscareado filme. La historia en esencia es la misma, dos hermanos se encuentran con la posibilidad de cambiar el rumbo de sus vidas, debido a la aparición del llamado señor dinero. Sin embargo Millions es un viaje 100 % emocional y poético. Un filme donde la vida y la muerte comparten escenario con naturalidad absoluta, y que conmueve por la sorprendente sencillez con que está hecha sin necesidad de manipular al público. El filme es de una naturalidad plena, donde este cuento de hadas termina de la mejor manera posible, y donde no hay buenos ni malos como en Slumdog, solo seres humanos que desean alcanzar sus sueños.



The Fountain de Darren Aronfosky (2006)




La despedida y el duelo por la pérdida es el hilo argumental de esta gran película. El señor Aronossky nos habla de frente de lo que más tenemos miedo: de la muerte. Y este tema es llevado en tres tiempos donde sus protagonistas no se aferran a la vida, sino al infinito amor que se tienen y que traspasa fronteras y milenios. Un poema visual sobre lo efímero de nuestra existencia, y nuestro relativo y corto paso por la vida. Una obra maestra mezcla de Sci-Fi y de drama que ha sido incomprendida, y que solo unos cuantos se atrevieron a ver.


In The Mood Of Love de Wong Kar-Wai (2000)




Otra historia de amor perdido, aquel que duele y lacera por imposible y triste. Aquel que nos recuerda la soledad que tenemos aunque estemos acompañados. La dirección es una clase de estilo y método cinematográfico, pero sus protagonistas son la cereza en el pastel, por la contención actoral y esas miradas que reflejan la soledad y la frustración de dos seres solos contra el mundo.


Brokeback Mountain de Ang Lee (2005)




Para mi Brokeback Mountain es el equivalente de Casablanca en nuestros tiempos. Me explico. Dos seres imperfectos que nacen el uno para el otro. Que se han amado, querido, besado y procurado como nadie. Sin embargo la vida, con sus vueltas de tuerca los aleja más y más, hasta un esperado reencuentro, donde el dolor, la angustia y la pasión escondida por años los llevan a un trágico y solitario fin. Ambas películas solo nos enseñan que el amor de nuestra vida es el más doloroso y dulce


The Dark Knight de Christoper Nolan (2008)





Una historia larga, violenta, adulta, compleja, llena de términos morales y éticos que chocan entre sí, logrando la que tal vez sea la mejor cinta de acción en la historia del cine. Batman paso de ser un superhéroe a un anntiheroe, luchando por no enloquecer mientras se enfrenta con la maldad hecha cine: The Jocker, aquel villano que representa nuestras dudas y temores ante lo establecido, y sobre todo que lleva a cabo lo que más tememos: revelarnos en contra del sistema y cuestionar su valor y caducidad.


Elephant de Gus Van Sant (2003)




El titulo es extraordinario. Los elefantes son bellos, llenos de gracias y de vida, pero cuando son incitados son capaces de provocar tragedias y terminar con lo que este a su paso. Sus protagonistas son igual a los elefantes. Dos jóvenes en plenitud de su vida atacan, sin aparente razón, su escuela secundaria, y lo que parecía un día cualquiera, se tiñe de rojo, para mostrarnos uno de los alegatos hacia la violencia más imparciales que se tengan memoria.


Match Point de Woody Allen (2005).




Un filme en la mejor tradición Noir. Intriga, romance, tragedia y desesperanza. La mejor película de Mr. Allen en su última etapa. Hay ciertos destellos de humor, pero la tragedia tiñe cada uno de los fotogramas de la historia. La dirección de actores es soberbia, donde Scarlett Johansson luce más bella y más fatal que nunca. La música del filme sirve como un coro griego que va dictando lo que ocurre en escena. El desdoblamiento de personalidades, el juego dentro de la película, y la doble moral de la sociedad que retrata son parte de uno de los testamentos y retratos fílmicos de la miseria y de la avaricia jamás llevados a la pantalla grande. Nunca la felicidad estuvo más lejana de nosotros.


Eternal Sunshine Of The Spotless Mind de Michel Gondry (2004).




Un filme que parece sacado de nuestros más felices sueños y tristes pesadillas que nos recuerdan las primeras citas, el enamoramiento, las peleas y el término de alguna relación. No solo es una maravilla visual, llena de trucos, impecable fotografía y una sencilla pero compleja dirección de arte. La historia explora todas esas inquietudes y sentimientos que se despiertan en una relación de pareja, y aquí está el mayo merito de la misma. No solo hay momentos cómicos o tristes, también los hay patéticos y sobre todo tiernos. Esto no sería posible sin la gran mancuerna que hacen Kate Winslet y Jim Carrey, que ya forman parte de las parejas inmortales de las parejas cinematográficas.


The Hours de Stephen Daldry (2002).




Tres mujeres en tres distintas épocas son unidas, enlazadas y llevabas de la mano por la famosa novela “La sra. Dalloway”, siendo su creadora el alma absoluta del filme. Las decisiones que tomamos en nuestra vida tienen fuertes repercusiones no solo en nuestra vida, también en la configuración del universo. Un poema visual que hace uso de las artes escénicas, la música y la literatura para hablar de los miedos en el mundo femenino, donde el dolor y la muerte dan paso a un final redentor, exponiendo los caminos de la vida que cada uno va logrando. Otro magistral retrato del mundo femenino.


Dogville de Lars Von Trier (2003).




Un filme desgarrador, donde en la primera parte vemos una curvas ascendente logrando un retrato de la amistad, la bondad y la esperanza torciendo en la segunda parte hacia aspectos escondidos en nosotros: el racismo, la represión, la humillación, el abuso…Para algunos es solo un retrato de EEUU pero para mí es mucho más que eso, habla del apocalipsis de la humanidad, y el ángel exterminador que pronto vendrá a darnos nuestra lección.


Inglorious bastards de Quentin Tarantino (2009).




Difícil elección porque Mr. Tarantino está entre mis padres cinematográficos. Escoger entre la saga de Kill Bill, Death Proof o Bastards fue una decisión épica para mí. Pero este es una fuerte dosis de adrenalina. Extraña y feroz, brillante y desequilibrada: un homenaje y reescritura de las cintas de aventuras y espionaje de la segunda guerra mundial, elaborando una fascinante galería de rostros y caracteres, sin dejar de lado el característico humor de su creador. Al final todo termina en una orgia de sangre de pasmosa violencia, donde se da el lujo de reescribir LA HISTORIA. Grandes secuencias y momentos memorables, siendo el primer bloque de la historia, una de las secuencias mejor filmada en años. Un filme tosco y acerado, bestial y de una sequedad visual donde sorprende y nos hace reír.

Whisky de Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll (2004)




Una conmovedora historia protagonizada por tres personajes solitarios, a cuyas vidas nos asomamos gracias a la mínima anécdota argumental ideada por los autores, de la que posteriormente consiguen extraer todo un universo de poderosas sensaciones en el que se conjugan la tristeza del callado drama de unos personajes prisioneros de sus silencios, y a la vez la enorme ternura y humanidad que desprenden dentro de su fragilidad, todo ello aderezado de un finísimo y soterrado sentido del humor quizás no apto para todas las sensibilidades pero que hará las delicias de los espectadores de mirada más inquieta y menos conformista.

Temporada de Patos de Fernando Eimbcke (2004).




Una situación absurda desarrollada a cuatro paredes, donde florecen los sentimientos más bellos y profundos, pero que nunca cae al lado del melodrama. El titulo define completamente la película, la forma en que los patos ayudan a sus compañeros a volar. Y es así como estos cuatro seres, de la forma más natural posible, logran hacer una tarde monótona en el día que define el resto de sus días. Un filme sencillo, en forma y contenido, pero de grandes alcances emocionales donde Moko, Flama, Rita y Ulises retan a la autoridad desde una humilde y pequeña trinchera.


Broken Flowers de Jim Jarmush (2005).




La soledad de un hombre mayor, lo lleva a recapitular su existencia, con la llegada de una carta que explica su situación actual. Un homenaje a la amistad, a la soledad y al amor, así como el retrato de la constante búsqueda en uno mismo. Bill Murray nos lleva de la mano a encontrarle sentido a su existencia, y por medio del amor y de la pérdida del mismo, encontrar un camino que plantee su lugar en el universo.


The Dreamers de Bernando Bertolucci (2003).




Un homenaje al cine, y una reflexión de la vida. Más allá del retrato al movimiento del 68 y de la crítica a la clase burguesa-bohemia que impulso este movimiento y la única que salió beneficiada, este filme explora el descubrimiento de las primeras pasiones ya sean carnales o intelectuales, de espíritu o de conciencia. Una explosiva química entre los tres protagonistas que se van desencadenando hasta culminar en un final lleno de interpretaciones, desde la más obvia al la mas redentora, siendo así, y como sea, brillante.


Children of men de Alfonso Cuarón (2006).




Un ejercicio fílmico de proporciones bíblicas, llena de referencias a la situación actual de la humanidad. Con mensajes nada sutiles sobre la devastación de la humanidad, la crueldad humana, el cambio climático, las organizaciones políticas y civiles, la ética y la moral, el señor Cuarón impone con voz crítica y nada complaciente con uno de los retratos más tristes y despiadados de nuestra especie, y sí, el final está lleno de redención, pero nos deja en claro que esta, está muy lejana y que tenemos que sacrificarnos por trascender. Además incluye varios plano secuencia que son parte, ya, de la historia del cine, como ejemplo el impresionante ataque de las pandillas al vehículo donde están nuestros protagonistas.


Mystic River de Clint Eastwood (2003)




Disculpen la comparación, pero esta obra maestra del cine es una de las mayores competidoras que pueden tener las tragedias griegas. Un festín de ideas políticas, sociales, filosóficas y morales, donde Clint, pone en un lienzo para contar la historia de tres amigos de toda la vida, y que al ser adultos, un traumático pasado se uno con un hecho lamentable del presente, para de la forma más trágica y humana posible, acabar con la historia de estos amigos, donde la muerte es la única salida. El señor Eastwood logra su mejor película, con los temas presentes en todos sus filmes, pero aquí adquieren proporciones épicas, gracias al cuadro actoral, uno de los más memorables en la historia del cine.


There Will Be Blood de Paul Thomas Anderson (2008).




Después de la maravillosa y poética Punch Drunk Love, en su apenas segunda película en la presente década, Anderson sigue, como en el filme arriba mencionado, enfocándose a retratar la vida de un personaje en contra del sistema y que lo lleva a caminos insospechados. Daniel Day Lewis logra un Tour de Force al interpretar a un desalmado y ambicioso magnate que hará todo lo posible por implicar su poderío, y que encuentra en la explotación del petróleo, el arma perfecta para hacerle frente a sus enemigos. Anderson muestra el lado oscuro del sueño americano, donde en un final lleno de violencia y etiquetas morales y estéticas , nos damos cuenta de la verdadera cara de los hombres poderosos.


Revolutionary Road de Sam Mendes (2008)




El fin del sueño Americano…cruel, real, dura, directa, sin concesiones, y visceral. La pareja perfecta que lo tiene todo y lo pierde todo. La comodidad hecha tierra y cenizas. La sombra de una reciente guerra que da cierta estabilidad. Kate Winslet y Leonardo DiCaprio se lucen cómo un matrimonio al borde del colapso y su mundo esta incendiándose por mentiras, secretos y un futuro trágico, del cual la pareja es sicario de su felicidad. Sam Mendes pinta el panorama de la insatisfacción pero sobre todo la realidad de quien te ama puede destruirte.


Lost In Translation de Sofia Coppola (2003).




La soledad. Sí, este es el tema central de esta joya. Charlotte y Bob son el espejo y alter ego de la directora, pero también de nosotros, los espectadores. ¿qué pasa cuando tienes todo y nada a la vez? ¿Cómo salir delante de tanta insatisfacción y dolor, huir de lágrimas secas que fluyen pronto? No lo sé, y ellos tampoco, pero no queda más que unirte a aquellos que piensan contigo, y secar lagrimas juntos, y murmurar aquello que anhelamos oír.

INCEPTION: El viaje del hombre y su redención.

Muchas veces el pasado no permite seguir adelante. Los errores, las culpas, el dolor crece como un cáncer, como un virus, resistente. Y tenemos que afrontar nuestra mortalidad para poder entregarnos al 100.

Cuando la vida, caprichosa como es, nos coloca en situaciones límite y nos enfrenta con nuestros peores miedos, nos armamos de valor para aventarnos al abismo. Un pequeño salto de fe. Y no importa a donde te lleve ese salto, porque estaremos juntos.

Christopher Nolan, nos lleva de la mano junto con su último filme, Inception, por el camino de la redención. Sé que muchos han visto la obra de Nolan como un producto de Ciencia Ficción que enlaza el cine de espías, acción y drama por medio del complejo mundo de los sueños. Para mí es más que eso. Y al ver proyectado el filme no pude dejar de compararlo y ponerlo a la altura de Pedro Paramo de Juan Rulfo y El Inmortal del Jorge Luis Borges.





Inception es la historia de Cobb, un espía que trabaja para las grandes corporaciones. Extrae ideas, derrumba imperios y roba secretos…en éste camino se topa con Saito, un hombre de negocios muy poderoso que contrata sus servicios para disolver el poder de su enemigo, Robert Fischer. Cobb le pone una condición, aceptará el trabajo, siempre y cuando le ayude a resolver los cargos que hay en su contra, ya que es acusado del asesinato de su esposa Mal. Saito le ofrece como pago el resolver, con una simple llamada a gente muy poderosa, su regreso a Estados Unidos, país donde es culpado del crimen que no cometió. Cobb reúne a un equipo ecléctico: Arthur, su socio y mano derecha, encargado de investigar los objetivos del grupo. Ariadne, la arquitecta de los sueños, el bastón y la conexión al mundo real de Cobb. Eames, un astuto ladrón encargado de implantar y/o extraer los objetivos, además de ser un hábil suplantador de identidades y Yusuf encargado de elaborar los químicos que necesarios para entrar en el mundo de los sueños. Todo más que una emocionante cinta de acción, los espectadores, y ahora, aliados de Cobb esperamos que nuestro héroe regrese a su país, y cumplir su “sueño” de reunirse con su suegro y sobre todo con sus hijos.



Aquí llega mi punto de comparación con las dos obras a las que hago comparación: El inmortal de Borges, un guerrero (Cobb) que decide buscar la ciudad de los inmortales, por las noticias que recibe de otro guerrero del oriente (Saito). En Pedro Paramo de Juan Rulfo, Juan Preciado (Cobb) en el lecho de muerte de su madre, le promete que buscara a su padre y rendir cuentas sobre su abandono. Juan se dirige a Cómala y se encuentra con un paisaje inhóspito. Regresar a Estados Unidos, La ciudad de los inmortales y Cómala es un simbolismo de cómo el hombre se plantea siempre metas inalcanzables. Cobb marca sus ideales como un horizonte, que tal vez nunca alcance, pero que para eso le sirven, para caminar y tener esperanza.

Nuestros esperanzados personajes emprenden la búsqueda de su objetivo, cómo cualquiera de nosotros, abandonados a nuestra suerte. Emprender la busca del conocimiento, del amor verdadero, de la sabiduría, de la inmortalidad, de la justicia…



Cobb, el Guerrero y Juan cuentan con aliados, pero muchas pruebas tienen que pasarlas solos, enfrentarse a su pasado, y a su lugar en el mundo. Replantearse cuestiones y sobre todo dejar ir los recuerdos. El mundo de los sueños, La ciudad de los inmortales y Cómala son un caos, ó lo representan en sí. Corredores sin fin, ventanas que no muestran nada, puertas en el techo, escaleras al revés, jardines inimaginables, iluminaciones caóticas, lluvias torrenciales, ausencia de gravedad, fantasmas del pasado, heridas que vuelven a sangrar…



Laberintos de la mente que provocan a la arquitectura. Paisajes que nos recuerdan lo cerca que estamos de la locura. La soledad y el dolor orillan a los protagonistas a hacer amistad con sus compañeros, y de esta forma hacer más fácil el camino. Y así es cómo los 3 personajes se dan cuenta que la vida es sueño (como dicen los budistas) que al final del mundo que conocemos, está el prologo de otro más que no conocemos, ó que el descubrimiento de algo es el punto de partida hacía algo más complejo.

Las tres historias se desarrollan en un mundo donde acontece todos los males del mundo. Donde hacer el mal en el pasado y reivindicarse es el paso para resultar un bien en el futuro y viceversa, una especie de balanza, movida y manipula por la vida y la muerte. Cobb y sus hermanos literatos se han separado del mundo y su dolor tan grande no les permite recordar qué es su realidad y qué es el sueño. Desde hace mucho Cobb viaja buscando algo de sentido, incluso esperando el placer de morir, pero en el trayecto se entretiene esperando algo, conociendo, valorando, peleando guerras que ni el mismo sabe la causa. Pero termina escribiendo su propia historia, sin ya pensar fríamente que hechos son falseados, exagerados por la aventura que está viviendo. Un viaje poético, qué aunque sean hechos irreales, son identificables por el sentimiento de nostalgia. Y así volver a contar con sus amigos y sobre todo con su familia.




La firmeza del relato viene con algo que Borges y Rulfo ya habían dicho antes. La multiforme del individuo, en donde todos nuestros recuerdos, sueños, actos, memorias, culpas, y que a la vez, todas nuestras relaciones son una. El sueño una vez logrado, no es comprendido

La ficción del cine y la literatura , y su eterna realidad.

Ambición, tragedia, redención, sexo, intrigas y sed de poder. Atributos y característicases que rodean y forman al ser humano. No es nuevo. Desde el principio de los tiempos el hombre se ha distinguido por dos variantes. Lo bueno y lo malo. De ahí emergen todo lo que nos va dando identidad y la mentada diferencia entre los animales y nuestra especie dominante.

Es curioso pensarlo de esta forma., pero no obstante en lugar de avanzar estamos estancados en la más absoluta guerra contra nosotros mismos. Lo cual me hace ser uno de los millones que cuestiona el festejo del Bicentenario y Centenario. Honestamente no veo que es lo que celebramos. Y mi reflexión sobrevino Hace hace un par de días que inicié y concluí el libro “Huesos en el desierto” de Sergio González Rodríguez.

El libro es un claro documento que nos habla de frente y sin adornos sobre la violencia en nuestro país y aunque su principal tema es el relacionado con sobre las muertas de Juárez y con la nula investigación por parte de las autoridades y su implicación en esta tragedia;. El libro también te documenta como actual racha de violencia en nuestro país vio su nacimiento, cuyo origen en México se remonta a mediados de los ochenta, con: la alternancia de poderes, el creciente lavado de dinero en nuestro país, las intrigas políticas, la sutil y a la vez descarada relación del gobierno con el narco, por mencionar algunas.…



Esto no es ninguna novedad. Pero no deja de sorprendernos la bestialidad y lo ordinario del asunto. Y como, somos, en este país el país somos “no pasa nada”. El libro te deja muchas interrogantes y te habla de hacia donde vamos como plantea el rumbo incierto de nuestra sociedad.
Casualmente comencé la lectura el mismo día que ví “El Atentado” de Jorge Fons.
Y aunque la película te habla de lo mismo. Pero se queda a medio camino.

El filme te aborda un hecho poco conocido en nuestro país:, un atentado en contra del presidente Porfirio Díaz y las intrigas políticas que rodearon el hecho. Pudo haber sido un “peliculóon” con el tema radioactivo y polémico que tenía en manos. Pero se queda a medio camino entre el panfleto pseudo-intelectual y una telenovela estelar “del canal de las estrellas”. Todo viene a partir del guión.

Vicente Leñero nos regalada un lienzo sobre el cual nos habla de la traición y el poder, y como éste corrompe a los hombres. El principal problema es que la historia sobre “El Atentado” (que tendría que ser la materia prima) se ve mal desarrollado por los conflictos de 3 amigos involucrados en el hecho. No es el planteamiento, es la forma en que se vuelcan las historias. En ningúun momento llegas a identificarte con las historias y no hay puntos de inflexión que te lleven a tomar partido. En sí, el motor de la historiaa (repito, el atentado) es mero pretexto para desarrollar y exponer el histrionismo de actores consagrados en México. Láastima, porque la intriga política y la crítica social se ve empañada por un argumento de telenovela historia del tipo de Ernesto Alonso.




Sí, hay escenas apabullantes, como aquella donde los protagonistas descubren el vagón de los presos políticos cuando regresan de su día de campo ó la secuencia donde a María Rojo le entregan el cuerpo de su hijo, y ella, a través de su personaje, se vuelve la voz y alma de todos aquellos que actualmente han perdido a alguien en la actual guerra contra el “narco”. Esto es el punto que me causa más pavor: l. Las actuaciones.

Los únicos que se salvan son Daniel Giménez Cacho (magistral como siempre), María Rojo e Irene Azuela. De ahí en fuera los demás estáan “insufribles”. Y en parte es culpa de Jorge Fons quien decepciona después de 16 años cuando nos entregó esa “piedra angular” del cine mexicano conocida como e: “El callejón de los milagros”. Fons es un excelente director de actores, pero no obstante aquí queda a deber al querer, muy endeble su ambición de que todos se vean “naturales” y en un ambiente “realista”. ….Este método de trabajo funciona con actores que tienen “las armas” y saben lo que es el oficio de actuar. Por eso actores como Julio Bracho se ven fuera de tono y acartonados, de risa loca. Otros más hacen lo que pueden y sacan “la chamba” como Colombo o Dolores Heredia. De José
María Yazpik diré que su personaje no es más que un estereotipo. Y es culpa de Fons, otra vez. Además de que la escenografíia es ridícula y, literal, ¡, acartonada….la música no es dramática y es sólo de adorno (música de elevador)…

Muy mal porque con el material explosivo y su materia prima (intriga políitica) pudo ser lo que para los gringos es “Frost/Nixon” o “Todos los hombres del presidente”.,




La otra pelíicula que es el caso contrario es irreverente, transgresora, polémica y cruda. “El Infierno” de Luis Estrada es, para estos tiempos, lo que fue en su momento “Canoa” y “El Apando” de Felipe Cazals y “Rojo Amanecer” de Jorge Fons.

La historia es de Benny, un migrante que es deportado de nuevo a México y al regresar a su pueblo “San Miguel Narcáangel”, se da cuenta que todo lo que el conocía es devorado por la ola de violencia, que trae consigo una fuerza como la que es el narcotráafico. Y no le queda otra máàs que unirse a este mundo para sobrevivir, porque “el que no tranza no avanza”.

Estrada no pinta un lienzo, sino que reproduce textualmente la realidad del país. Muerte y dolor es lo que ha traído el narcotráafico y sobre todo el “torcimiento” de los ideales que como nación deberíamos de tener. El Benny se sumerge en el espiral del mismo infierno y se da cuenta que el país estáa cada vez más jodido y la ley es la del máàs fuerte.

Al terminar la proyección no queda más que hacer una reflexión de a dónde vamos y el final, poéetico y duro en sí,nos muestra lo que puede ocurrir en los próximos meses… o años. La venganza del pueblo contra aquellos que nos van hundiendo: los poderes del país (estado, judicial , religioso) y el “narco” en sí. Pero para llegar a esto, un río de sangre tendrá que ser dado para reajustar la situación.
No es un simple alegato sobre la legalización de las drogas o el poder de los narcos. Es un retrato de la miseria humana y como estamos todos llenos de mierda. EY el mensaje del filme es claro: Todos tenemos culpa por la situación actual del país



La película es gloriosa en todos los sentidos: actuaciones, guióòn,direccióòn, investigación, diseño de arte, fotografíia….no hay ningúun “pero”.….

Creo, entonces, que estas expresiones son la forma más auténtica con la que yo celebrarée el Bbicentenario: sin duda no hay nada como el cine y la literatura para hacerme reflexionar.…

Torn Apart

Excluido:Quienes cometemos un error estamos excluidos. Encerrados en una caja. Quien esta fuera no ve más que la caja. Pero quienes estamos encerrados, excluidos, podemos mirar hacia fuera. Lo vemos todo, nos ven todos.En cada estancia hay decenas de cajas. Miles de cajas por todas partes. En su mayoría vacías. Otras guardan en su interior personas excluidas. Nadie sabe que cajas contienen personas.Las cajas son tantas que nadie se fija en ellas. Puede haber una persona dentro, puede incluso estar la persona a la que quieres, pero ni siquiera miras. Ya no producen efecto. Pasas delante de ellas cientos de veces

NINE y las actrices VS Rob Marshall

Nine es la nueva película de Rob Marshall, director de la sobrevalorada Chicago y la terriblemente aburrida Memorias de una Geisha. Cuando se anuncio el proyecto que hoy nos ocupa, mis esperanzas fueron al cielo al ver el conjunto de estrellas que estaría al frente. Daniel Day-Lewis, Marion Cotilliard, Penélope Cruz, Nicole Kidman, Kate Hudson, Sophia Loren, Judi Dench y Fergie (cantante de los Black Eyes Pies): puro peso golden en la industria del entretenimiento.


Y así Marshall comprobaba su poder de convocatoria en Hollywood. No solo dio uno de los puntos altos en la resurrección del género musical en el cine, al llevar a Chicago al triunfo en los Oscar, y que Memorias de una Geisha fuera un decoroso éxito en taquilla. Ahora su labor es la adaptación a la pantalla grande del musical ganador del Tony, Nine. El musical está inspirado en la obra maestra de Fellini, 8 ½.
Voy llegando del cine y tengo varias cosas que decir. Buenas y malas.



Como ustedes saben, yo soy detractor de Chicago, sobre todo porque le arrebato el Oscar a dos joyas cinematográficas que ya forman parte de lo mejor del cine en la década pasada. Los filmes que me refiero son: Las horas de Stephen Daldry, un retrato doloroso sobre la condición humana y Gangs of New York de Martin Scorsese, que es un testimonio del nacimiento de una de las naciones más violentas. Chicago es un musical muy bien filmado y entretenido, pero hasta ahí.

Nine repite la historia. Es una película espectacular. Un diseño de producción y de vestuario impresionante. Bellamente fotografiada, sobre todo los números musicales. Y sobre todo un elenco apasionado y que entrega todo en escena. Y Marshall se confirma como un gran director de actrices (OBVIO sin llegar a la maestría de otros mejores cineastas feministas actuales: Almodóvar, Tarantino, Mendes, Hanake…). Pero el guión es muy disparejo y hace que todo el esfuerzo arriba mencionado derrumbe el gran filme que pudo ser.



Y me extraña porque, el guion es firmado por uno de los cineastas más respetados de la industria: Anthony Minghella., director de las maravillosas y emblemáticas Breaking and Entering y The Talented Mr. Ripley, obras maestras del cine negro, llenas de suspenso, tensión, sexualidad e intriga. Y también director de las dos elocuentes y enormes The English Patient y Cold Mountain. Vaya pues, el hombre era un genio (falleció el año pasado) y sus películas eran garantía de calidad y buen cine.

Mi pregunta es ¿Qué tanto respetaron Marshall y su crew la visión del cineasta finado? Porque como fan del cine de Minghella, déjenme decirle que el visionado que presencie tiene pocas constantes de su cine…y si tomaron el guión y lo filmaron ¿era un borrador o en qué etapa creativa del mismo decidieron llevarlo a la pantalla? ¿Minghella en realidad entrego un trabajo tan medio a los Weinsten para que echaran a andar el proyecto?

Nunca lo sabremos, pero este es el principal problema del filme. La historia es sobre la crisis existencial de un hombre maduro y que le impide encontrar inspiración para su siguiente filme. La primera secuencia es brillante, porque plantea la premisa de manera genial. Sin embargo, todo se desborda hacia los problemas sentimentales y de cama del protagonista. Y de esta forma, los números musicales lucen incoherentes dentro del desarrollo de la historia, porque no ayudan a avanzar la historia, solamente reafirman el mood de la obra. Y Daniel Day-Lewis se muestra entregado y a tono, pero no está al nivel de sus trabajos anteriores. Y es aquí donde la película es salvada por las siete actrices que rodean al protagonista.



La primera de ellas es Marion Cotilliard como Luisa, la fiel esposa de Guido. La Cotilliard esta magistral como la mujer abnegada, dolida, triste. Y no solo eso, tiene a su cargo los mejores números musicales del filme, destacando Take it All, donde se devora por completo la pantalla, al interpretar un número musical que es una liberación para su personaje. La dignidad que mantiene hasta la ultima secuencia y el amor incondicional a su marido, hacen de esta, la mejor presencia del filme.



Después esta Penélope Cruz como Carla, la amante de Guido. Derrochando
sensualidad, inocencia, conformismo, la española vuelve a imponerse como una actriz muy buena. No solo canta y baila estupendamente, el tono pícaro del numero me hizo reír y disfrutar como si estuviera en algún cabaret. Pero debo de admitir que Marion merecía más la nominación al premio de la academia que la misma Cruz.



Nicole Kidman ha sido critica en su papel por no brillar lo suficiente. Pero su rol daba para más y ella lo lleva a cabo con valentía y lo resuelve de una manera exquisita. Su numero musical es una súplica de amor no correspondido, y por lo tanto vemos un momento muy triste en la pantalla. Una diosa del cine, perfecta, musa, bajada del cielo, llena de vida, es descalabrada por la vida.

Las demás actrices están muy bien. Judi Dench está bien como la confidente de Guido, y su número es correcto para una mujer de su edad. Sophia Loren, en un rol muy breve, ilumina la pantalla con su presencia, sin embargo un rol que pintaba más interesante es desaprovechado por el director. Esto aplica también para el personaje de Kate Hudson, que esta bellísima en pantalla y baila como tornado y su simpatía es explotada pero su personaje no tiene cabida en la historia, solo funge para darle un empuje narrativo a la historia de Guido y Luisa, eso sí, su número es muy bueno, hasta ganas de bailar me dieron. Y Fergie demuestra su domino de escena en un personaje también muy rico, pero muy desaprovechado.

En mi opinión, las actrices entregan el alma en cada escena, y por decirlo de alguna forma, opacan el trabajo de Lewis que parece en otra película, donde su intensidad contrasta con el carisma del ensamble femenino. Y todo esto por culpa de un guión inexplotado o tal vez ignorado o tal vez que solo sirvió como escaleta. Y todo esto gracias a Rob Marshall, un director muy bueno para ensamblar el aspecto visual, pero que aún le falta mucho para ponerse al mando de trabajos tan complejos como los tres que ha dirigido. Ahhh y por cierto, que alguien le recuerde que en el Teatro es totalmente justificado la salida de escena de personajes, pero en Cine tienes que llevarlos a un plano más complejo y visual, no solo poner, cortar y pegar.

Nine está viva solo por las actrices. Y me sigo preguntando ¿Cómo hubiera quedado en manos del cineasta Anthony Minghella?

Vivir en el valle de las sombras...

Creo, es prudente decirlo, que el arte nos enseña muchas respuestas que podemos ecnontrar en nuestro día a día. La situación que se vive en el mundo, donde parece que pronto estallara todo y no sabemos como acabara, es necesario revisionar un filme que nos demuestra lo bajo y triste de la existencia humana, cuando esta es inundada por guerras, homicidios, gobiernos incompetentes, diferencias irreconciliables, narcotrafico, dolor, perdida y muerte...

En el Valle de las Sombras (In The Valley of Elah) de Paul Haggis habla sobre el dolor de las consecuencias de la violencia en nuestra vida, y nuestra capacidad para salir adelante y encontrar sed de justicia. El filme de Haggins es sobre la guerra de Irak,y loa terribles daños colaterales en los ciudadanos americanos pero tristemente también es aplicable con los paises latinoamericanos, o también con cualquier país que enfrente una guerra sin sentido, y que nos va cegando, donde vemos que el impacto de ataques contra civiles, es cada véz menos catastrofica y aceptandolo como el día al día.

En nuestro país, es obvio mencionar que la guerra contra el narcotrafico nos ha dejado una huella llena de incertidumbre y tristeza. Lugares como Matamoros, Michoacan, Cd Juarez, Guerrero, Mazatlan se han convertido en ciudades peligrosas, sitios de guerra, lugares de duelo, donde no sabemos como acabara todo. El asesinato de hace 2 semanas de 15 jovenes en una fiesta, confundidos por pandilleros por otro grupo de mismos, no hizo más que derramar el agua del vaso. Si señores, yo estoy hasta la madre...y para mi, nada mejor que hablar de esta situacíon, que por medio de una pelicula.



Sigo en shock...las primeras imagenes de esta pelicula de Paul Haggis me dejaron sin habla. No hay mucho que pueda agregar a esta gran pelicula. Pero antes contextualizare un poco, cuando Crash, la opera prima de Haggis le ROBO el oscar a BrokeBackMountain, no entendia como una representación, solo eso, UNA REPRESENTACIÓN, de las DIFERENCIAS ENTRE SERES HUMANOS, hundia a uno de los poemas audiovisuales mas impresionantes de los ultimos años. El amor, la locura y los secretos que guardamos fueron hundidos por la politequeria correcta de Crash. El discurso fue simple, SOMOS TOLERANTES A TODO MUNDO, Y DEBEMOS COEXISTIR...y ya!!!!!!!!!!!!!!!! Mientras Brokeback nos invitava a enfrentarnos con nuestros miedos, nuestra soledad, a lamernos las heridas...


Pero Haggis se redimio completamente con este filme. Hay una escena clave que me ayuda a entender la filosofia de la cinta, y que me da un sentimiento de tristeza total, porque expresa nuestro sentir. Y esta escena clave tiene una elipsis maravillosa al final del FILME. Cuando Hank(Tommy Lee Jones) va en busca de su hijo, pasa afuera de una escuela. Detiene su carro y corte a, lo vemos izando la bandera junto con el trabajador de intendencia. La bandera esta de cabeza, y Hank le dice que jamas debe de estar la bandera de cabeza, por que significa que estan en problemas. Significa que estamos en problemas y se han agotado los recursos para salir adelante, porque no hay ninguna posibilidad de salir adelante, de salvarse...



Hank recibe una llamada del ejercito, informandole que su hijo no ha regresado a la base y en caso de no hacerlo, sera juzgado. Y aki comienza la tragedia humana de Hank, donde sus ideales son derribados al darse cuenta de los motivos, pero sobre todo de las VIVENCIAS de los soldados de guerra. Hank busca la ayuda de las autoridades, de sus amigos, y solo recibe una patada en las bolas y el tipico ES ASUNTO CERRADO regrese a su casa. Es ahi cuando se le une la detective Emily(Charlize Theron), una mujer ha visto y sufrido de todo.

Ahora estos dos personajes, hombro con hombro tratan de avanzar en medio de la tragedia que se avecina. Y mientras Emily sigue sus impulsos y lucha desesperada por encontrar la verdad, y en esa busqueda dejarle un mundo mejor a su hijo. Hank ve ante sus ojos, que el ´pais por el cual siempre ha peleado y defendido es arrollado por una guerra sin sentido, que solo tiene intereses politicos, llevandose no solo al pueblo norteamericano entre sus pies, sino al mundo entero.



Y ahi radica la belleza del filme. Es una historia de personajes atrapados en una situacion fuera de su alcanze, fiel a la costumbre de las grandes tragedias griegas. Hank es la representación del padre estoico, en busca de la verdad, sufriendo al ver que su mundo se derrumba, y que nada NI NADIE en el que confiara le podra explicar que diablos pasa, cada arruga, cada silencio, cada suspiro, cada lagrima contenida de Hank, nos hace adentrarnos a su dolor y a la impotencia de un padre de familia que ve, horrorizado, como su familia se desborona, y en la decadencia por la cual su hijo paso y que ya no hya marcha atras. Su hijo, Mike, enloquece ante los crimines de guerra que presencia, y al igual que sus compañeros de la milicia, comienza a ver el mundo con toda su locura como algo normal, algo que tiene que ser, para sobrevivir...

Emily, ante tanta locura, atrapada entre compañeros ignorantes, y ante la devastadora situacion en la que se ve envuelta junto a Hank, ve en este caso la manera de hacer justicia por su propia mano, OJO NO CON VIOLENCIA, pero si con la razón, y los motivos para dejarle algo de razón y etica a los que vienen atras de nosotros. En este caso su pequeño hijo, donde Emily encuentra la unica forma de aferrarse a la unica pureza que existe en su mundo lleno de violencia, frustracion y dolor. Una manera de redimirse ante decisiones mal tomadas y que la hacen dudar de su capacidad.

El metaforico y biblico titulo de la pelicula, nos remite al valle donde David enfrento a Goliat. Donde la arrogancia y el poder se enfrentaron contra la fe y el temple humano. Yo solo espero que seamos más los David, los Hanks y las Emilys para enfrentar a los Goliat del mundo...¿Cuando sera el dia en que los ideales tumben a los poderosos del mundo, cuando encontremos nuestro discurso entre tanta locura?




Las actuaciones de Jones y Theron son antologicas, logrando un intenso duelo de actuaciones, donde los silencios y las miradas dicen más que toda una verbolaria que otro director hubiera puesto. A este binomio por momentos se les une un tercer punto, Joan (susan sarandon) que con solo poquisimas escenas, nos muestra la desesperación de una madre que ha perdido a sus dos hijos. Y Sarandon hace que nos identifiquemos con la desesperación y el siempre preguntarnos del porque de las cosas...

Cerrando esta critica, el FILME termina con Hank regresando a la escuela donde izo la bandera. Pero ahora pone la bandera de cabeza, como escape a todo el dolor que acaba de sufrir. Y de esa forma busca un poco de redencion ante los terribles secretos que oculta su alma. Y Si tal vez sea un discruso politico, lleno de dolor, pero estoy de acuerdo con Hank. Deberiamo de poner la bandera de todas las naciones de cabeza, en señal de alarma y de auxilio, como un paño de lagrimas, demostrando que como humanidad hemos perdido el control y el rumbo de la vida...

A SERIOUS MAN...a film of the brothers Coen...

Hace unos días, en Twitter, mencione que las dos mejores películas americanas del año eran Inglourius Basterds de Quentin Tarantino, y Up In The Air de Jason Reitman. Grave error. Los Bastardos siguen en el trono, por su mordaz, cómico, divertido, irónico, magistral desmadre que es el filme. Los hermanos Coen, llegan con su nuevo filme, A Serious Man, para quitar a Clooney del pedestal que le han puesto en su filme.

A Serious Man es un retrato duro e irónico de un hombre judío, llamado Larry Gopnik, un respetado profesor de Física. Aparentemente su vida es sencilla y sin más eventos importantes que el recorrer de su vida diaria. Un día, y sin aviso, por cuestión de azar, su mujer le pide el divorcio, un estudiante intenta chantajearlo, su hija le roba dinero, su hijo es un junkie, su primo se mete en problemas con la justicia, su vecino comienza a odiarlo más, una vecina entra en un extraño juego de seducción con él, al tiempo que unas misteriosas cartas amenazan con ponerle fin a su carrera de académico.




Y este hombre, que comienza a resignarse, al ver la evolución de los problemas que lo rodean, decide pedir ayuda a tres diferentes rabinos, mientras su mundo se derrumba. Y para terminar de redondear su fatal existencia, unos extraños sueños perturban sus momentos de paz nocturna. Y es así como Larry intenta mantener el orden mientras las situaciones se salen de control.

El destino, el azar y las coincidencias son parte fundamental de la vida. Cuando uno da por asimilados y seguros los cimientos que nos rodean, siempre hay algún evento que nos hace recordar la fragilidad humana y la falsa estabilidad de nuestra condición en el universo. Es así como se puede describir la película. Ya que estos tres elementos mencionados van hilando la historia, llenándola de humor negro y acido junto con la más grande desesperanza.

Los hermanos Coen no solo llevan a la pantalla el sentido de pérdida de rumbo, sino también las preguntas y cuestiones existenciales que diario nos hacemos en la vida del día a día. De esta forma Larry busca el aparente equilibrio que estaba en su vida. Pero ni el mismo sabe porque quiere el regreso de su estabilidad, que al tiempo se destapa como mediocre y complaciente. Y sin embargo el se aferra a la esperanza de poder tener lo que era antes, aunque sea fango y complacencia.

Los rasgos estilísticos y narrativos que han hecho de los Coen una pieza
fundamental del cine americano, están presentes en esta obra. Cuando estaban en la etapa de promoción de No Country For Old Men, en una entrevista, comentaban que al planear la primera secuencia de cualquiera de sus películas, esta debe, por cuestiones argumentales, estilísticas y narrativas retratar el espíritu del filme en cuestión. En No Country…la primera secuencia nos muestra tierras áridas, con rastros de sangre, y un terrible cuadro lleno de muerte, un lugar donde no hay tregua, y donde los instintos humanos y la avaricia no tienen fin. Un lugar donde no hay fé ni existencia de Dios.

Una de las reglas en los medios audiovisuales es atrapar al espectador en los primeros minutos, y en el prologo de A Serious Man, esta norma se cumple a la perfección al contarnos una leyenda judía sobre la inesperada llegada de un visitante nocturno a un matrimonio a finales del siglo XIX. La pareja se debate entre la idea de que podría ser un humano o un bybbuk (espíritu maligno). La discusión y los argumentos de ambas partes suben de tono, hasta culminar con un desenlace que quita el aliento. Y es así como este pequeño relato dentro del filme, pone de antemano lo que presenciaremos durante unas horas. La completa naturalidad con la que se convive entre el destino y lo que nosotros planeamos.

Ya mencionando los rasgos narrativos y argumentales, el otro punto fuerte y llamativo del filme, es la elección de las tomas y como estas ayudan al desenvolvimiento del ritmo. La forma en que los Coen van montando y dirigiendo las secuencias corresponde a la ética misma del argumento. Sin embargo estas tomas que van armando la escena y por consiguiente la secuencia, van cargadas de simbolismos que hacen muchísimo más rica la experiencia. Un ejemplo es una de las escenas cumbre del filme. Cuando el protagonista sube al tejado de su casa a reparar la antena del televisor, el observa el panorama del vecindario con una calma inusitada, llena de vida, mientras el sol ardiente va cubriendo de luz el cuadro. Esta manifestación de iluminación y liberación lo hace caminar sobre el tejado, explorando más allá de su limitada visión. En un punto el alcanza a observar a su vecina de al lado, que se asolea desnuda en su patio privado, y atraído por la excitación camina hasta el precipicio….cuando la luz y el sol lo derrumban.

Esta forma de ir hilando el lenguaje visual y narrativo a lo largo del filme, encuentra su clímax en el bíblico final, donde Larry recibe una llamada fatídica, con un tornado de fondo. Cerrando un ciclo, pero el destino ,de forma inesperada, le tiene una nueva sorpresa. Siendo totalmente simbólica y liberadora la ultima toma del filme, sin quitarle su dosis de impacto y juego en el cual los Coen nos sedujeron por 2 horas.

De esta forma, el alcance emocional y espectacular del filme, dejando como sendero, toda la lluvia de ideas en forma de movimientos de cámara espectaculares, cuadros virtuosos, interpretaciones magistrales, sobre la condición humana y el azar. Pero a la vez, es una lección de cómo y dónde ubicar la cámara para narrar una historia.

Por último tengo que agregar los siguiente. Mi primer acercamiento con los Coen fue con Fargo. Aún recuerdo a la gran Frances McDormand robándose mi corazón con su impecable interpretación de Marge una sheriff embarazada y con una voluntad a prueba de balas. Muchos años después, fui testigo de la creación de uno de los villanos más temibles del cine, el Anton de Bardem. Dos personajes extremos, en dos parábolas dramáticas y complejas de la condición humana. Ahora Marge y Anton comparten con Larry, el lugar de la mejor película de los Coen.